Les DJs doivent-ils désormais devenir des créateurs de contenu ?

Il fut un temps où un DJ pouvait encore être essentiellement… DJ. Jouer dans les bons clubs, sortir de bons morceaux, construire sa réputation derrière les platines et laisser les autres s’occuper de la communication. Cette époque paraît de plus en plus lointaine.

Aujourd’hui, il ne suffit plus forcément d'avoir un bon track ou un bon booking. Il faut aussi avoir quelque chose à poster. Et idéalement en vidéo. Un extrait de set, une réaction face caméra, une vidéo en studio, un « day in my life », les coulisses d’un festival, un morceau joué pour la première fois, une anecdote sur un track, un trajet vers l’aéroport, un outfit avant le club… La liste est devenue presque infinie.

Le DJ doit désormais être capable de jouer, produire, communiquer, monter des vidéos et comprendre les algorithmes. Dans certains cas, il doit aussi savoir devenir son propre média.

Bienvenue dans la Content Factory

Une étude publiée en 2025 dans Mental Health Review Journal, menée à partir d’entretiens avec des musiciens, décrit justement les réseaux sociaux comme une « content factory » : une machine à contenu dans laquelle les artistes doivent constamment alimenter leurs plateformes. Les chercheurs soulignent que cette utilisation intensive des réseaux peut avoir des conséquences sur le bien-être des musiciens, alors même que ces plateformes sont devenues importantes pour leur carrière.

Le problème n'est donc pas simplement de poster de temps en temps. C'est la sensation de devoir poster tout le temps.

Instagram et TikTok récompensent particulièrement les formats courts et réguliers. Un morceau peut être excellent, mais s'il n'est accompagné d'aucune vidéo susceptible de circuler, il risque de passer largement sous les radars. À l'inverse, une vidéo de quelques secondes peut parfois donner à un artiste une visibilité que plusieurs années de travail musical n'auraient pas produite.

Des recherches sur la « platformisation » de la musique montrent justement que les mécanismes propres à TikTok influencent désormais la manière dont la musique est découverte et devient populaire. Les logiques de la plateforme ne sont pas nécessairement les mêmes que celles de Spotify ou d'autres plateformes musicales, ce qui pousse les artistes à penser leur musique en fonction de plusieurs environnements numériques à la fois.

« Montre-nous qui tu es »

Pendant longtemps, le DJ pouvait conserver une certaine distance avec son public. Son identité passait principalement par ses sélections, ses productions, ses pochettes, ses interviews ou les soirées auxquelles il participait.

Les réseaux sociaux demandent quelque chose de beaucoup plus personnel. Il ne suffit plus de montrer ce que l'on fait : il faut souvent se montrer en train de le faire. Le DJ devient progressivement son propre média, avec une audience à entretenir, une identité visuelle à construire et un rythme de publication à maintenir. Une session studio devient un Reel, un voyage devient un vlog, un set devient une série de clips.

Même les plus gros DJs y passent

Le phénomène ne concerne évidemment pas uniquement les artistes émergents.

Diplo expliquait déjà en 2024 qu'il trouvait certains de ses propres TikToks « cringe », tout en reconnaissant qu'il se sentait obligé d'utiliser la plateforme pour rester visible professionnellement. À 45 ans, il décrivait TikTok comme un format particulièrement jeune, mais auquel il devait malgré tout participer. Et c'est probablement là que se trouve l'une des contradictions du système : même un artiste qui dispose déjà d'une carrière internationale peut difficilement complètement ignorer les plateformes.

Pour les artistes émergents, la pression est encore plus forte. Sans label important, attaché de presse ou équipe marketing, Instagram et TikTok sont parmi les rares outils permettant de toucher directement une audience mondiale. La promesse est séduisante : plus besoin d'attendre qu'un média, un programmateur ou une maison de disques vous découvre. Une vidéo peut potentiellement faire le tour du monde.

Mais cette démocratisation s'accompagne d'une nouvelle forme de travail.

Quand le marketing devient une partie du métier

Le problème est que créer du contenu prend du temps.

Filmer demande du matériel ou quelqu'un derrière la caméra. Monter demande du temps. Trouver une idée demande du temps. Écrire une légende, répondre aux commentaires, regarder les statistiques, comprendre ce qui fonctionne, recommencer : tout cela constitue une activité à part entière.

Et contrairement à un morceau ou à un DJ set, le contenu social a une durée de vie extrêmement courte. Une vidéo peut fonctionner aujourd'hui et disparaître du feed demain.

Une enquête citée par The Guardian en 2025 auprès de 1 000 créateurs aux États-Unis et au Royaume-Uni indiquait que la moitié avaient connu un burnout directement lié à leur activité de créateur, tandis que 37 % avaient déjà envisagé d'arrêter leur carrière en raison de ce burnout. Ces chiffres concernent les créateurs de contenu au sens large et non spécifiquement les DJs, mais ils donnent une idée de la pression liée à un modèle professionnel fondé sur la publication permanente.

Chez les musiciens, le problème est particulièrement paradoxal : le contenu qui fonctionne le mieux n'est pas forcément celui qui représente le mieux leur travail.

Et si on ne voulait pas être influenceur ?

Tout le monde n'a pas envie de parler face caméra. Tout le monde n'est pas à l'aise avec le fait de filmer sa vie. Certains DJs veulent simplement jouer de la musique, rester anonymes ou laisser leurs morceaux parler pour eux.

Mais le système actuel tend à rendre cette position plus difficile. Ne pas publier peut donner l'impression d'être invisible. Publier beaucoup peut donner l'impression de travailler davantage pour l'algorithme que pour sa musique.

Certains artistes trouvent des solutions intermédiaires : déléguer leur contenu à une équipe, privilégier les images de leurs performances, raconter leur univers sans nécessairement parler face caméra ou utiliser les réseaux comme une extension de leur identité artistique plutôt que comme un journal intime. D'autres refusent tout simplement de jouer le jeu. Il existe aussi une troisième catégorie : ceux qui ont compris que la création de contenu pouvait devenir une véritable extension de leur projet artistique. Pour eux, filmer leurs sets, développer une esthétique, raconter leur quotidien ou créer des formats récurrents fait désormais partie du métier. Mais malheureusement, cela favorise mécaniquement les artistes qui sont à l'aise avec cet exercice, les bons communicants.

Les chercheurs à l'origine de l'étude britannique ont d'ailleurs publié un guide destiné aux musiciens à partir de leurs travaux, avec des recommandations pour développer une utilisation plus saine des réseaux sociaux.

Une nouvelle compétence professionnelle

Il serait donc trop facile de conclure que TikTok et Instagram sont simplement en train de « tuer » la musique ou de transformer tous les DJs en influenceurs.

Les réseaux sociaux ont aussi permis à des artistes sans label majeur de toucher des publics qu'ils n'auraient probablement jamais atteints autrement. Une étude économique consacrée à l'impact de TikTok sur la consommation musicale a notamment montré que la plateforme peut jouer un rôle important dans la découverte ou la redécouverte de morceaux, particulièrement pour les titres moins soutenus par ailleurs. Le problème est plutôt que cette opportunité s'accompagne désormais d'une nouvelle exigence professionnelle. Il ne suffit plus toujours de savoir mixer. Il faut savoir se filmer, se raconter, publier, monter, analyser et recommencer.

La question n'est peut-être donc plus de savoir si les DJs doivent devenir des influenceurs. Mais jusqu'où l'industrie peut-elle continuer à demander aux artistes d'être à la fois musiciens, performers, communicants et créateurs de contenu, sans que la création musicale elle-même passe au second plan ?