Sandbox Festival : « Quand on sépare les gens en catégories, on tue l’énergie », entretien avec son fondateur

À une époque où le secteur des festivals semble succomber à des illusions de grandeur, certains projets choisissent de se démarquer par leur approche plus intimiste. Le Sandbox Festival en fait partie. Né d’une intuition sur la route d’El Gouna, cet événement égyptien a, au cours des dix dernières années, redéfini les codes de ce que l’on attend d’un festival. Ici, au bord de la mer Rouge, l’expérience ne se consomme pas : elle se vit horizontalement, dans un espace où le public, l’artiste et le désert résonnent ensemble. Tout est pensé pour offrir aux festivaliers une véritable parenthèse sensorielle, au cœur d’un écrin caché entre les dunes. Ici, l’expérience dépasse le simple événement : « Les invités ne se contentent pas d’assister au festival, ils y vivent pendant trois jours ».

Loin de la logique du marché, Sandbox cultive son unicité : un refus des barrières VIP et une obsession pour regarder à travers l’âme des artistes plutôt que son nombre d’abonnés. Cette année, du 7 au 9 mai 2026, plusieurs centaines d'artistes se réuniront, parmi lesquels Dan Shake, Bedouin, Job Jobse et Sally C, incarnant la diversité et l'énergie d'une programmation conçue pour offrir un véritable voyage musical.

Nous avons rencontré Tito El Khachab, fondateur de Nacelle et du Sandbox Festival, qui a également organisé de grands concerts au pied des pyramides de Gizeh, afin de comprendre comment, à contre-courant des tendances dominantes, il a réussi à faire de l’Égypte une destination incontournable de la scène musicale électronique mondiale, sans jamais renoncer à l’authenticité et à l’identité qui sous-tendent sa démarche.

Si tu revenais au tout début, au moment où l’idée de Sandbox Festival t’est venue pour la première fois, quelle émotion ou expérience personnelle t’a inspiré à le créer ?

Tout a commencé avec une idée simple : organiser un concert de musique électronique à El Gouna et en faire un événement sur toute une journée. Ma femme et moi avons en fait trouvé le nom « Sandbox » pendant un trajet en voiture vers notre destination. Puis, une série d’événements un peu aléatoires et un peu de chance nous ont menés à la première édition de trois jours en 2015, et depuis, tout s’est tracé progressivement. Avec le recul, cela paraît inévitable, mais à l’époque, nous avancions vraiment pas à pas.

Pourquoi as-tu choisi l’Égypte comme base pour Sandbox, et selon toi, quel rôle joue le festival dans la place de l’Afrique sur la scène mondiale de la musique électronique ?

L’Égypte nous a choisis autant que nous avons choisi l’Égypte ! C’est ici chez nous, c’est ici que se trouvait la communauté, et El Gouna nous a offert quelque chose qu’aucun autre endroit ne pouvait offrir : le désert, l’eau et un environnement naturel en plein air sur trois jours qui fait partie intégrante de l’expérience. C'est impossible à reproduire. Et d'un point de vue pratique, El Gouna offre quelque chose d'assez rare pour une destination de festival : un écosystème complet d'hôtels, d'appartements, de locations de villas, de bateaux et de restaurants. Les invités ne se contentent pas d'assister au festival ; ils s'installent sur place pendant trois jours. Cela change complètement la façon dont les gens vivent l'expérience.

Pour répondre à la question plus large, l'Égypte est une culture ancienne dotée d'une identité musicale profonde et diversifiée. La scène de la musique électronique qui s'est développée ici au cours de la dernière décennie est véritablement unique ; elle n'est pas née d'une simple imitation de ce qui se passait en Europe. Elle s'est développée de l'intérieur. Sandbox s'est efforcé de contribuer à la faire grandir et de la faire connaître au monde entier. Quant à savoir si nous contribuons à renforcer la présence de l'Afrique du Nord sur la scène internationale, je laisse aux autres le soin d'en juger. Ce que je sais, c'est que nous construisons ici quelque chose de réel ici, et que le monde commence à s'en rendre compte !

Tu mets en avant “l’esprit de l’artiste” plutôt que la popularité dans ta programmation. Comment définis-tu cela concrètement ?

Je définirais cela ainsi : « L'artiste continue-t-il à se découvrir ? », « Est-il toujours ouvert — à un nouveau public, à un nouvel environnement, à un véritable échange avec des gens devant lesquels il n'a jamais joué auparavant ? », « Est-il toujours reconnaissant pour ces moments authentiques qui se produisent entre un artiste et une salle pleine de gens pleinement présents ? » C'est de cet esprit dont nous parlons. Ce n’est pas abstrait une fois qu’on l’a vu. On le ressent immédiatement quand c’est là, et on ressent son absence tout aussi vite.

Y a-t-il des artistes que tu suivais depuis longtemps et que tu as enfin réussi à programmer cette année ?

Tous ! Mais pour certains, avec lesquels nous avions constamment des incompatibilités de planning pendant longtemps et qui ont enfin pu venir cette année, il y a Peach b2b Shanti Celeste, Sally C, Bedouin, Craig Richards. Quand les dates finissent par s’aligner après des années d’efforts, c’est une victoire satisfaction.

Qu’espères-tu que les artistes ressentent lorsqu’ils montent derrière les platines à Sandbox ?

Qu’ils soient dans un endroit vraiment spécial. Que le public face à eux soit pleinement présent, ouvert et prêt à les suivre vers des horizons inattendus. Qu’ils puissent prendre des risques. Qu’ils ne se contentent pas de remplir un créneau sur une affiche, mais qu’ils fassent réellement partie de quelque chose qui se construit en temps réel pendant trois jours. Et honnêtement, qu’ils s’amusent. Qu'ils se retrouvent dans la foule à 3 heures du matin pendant le set de quelqu'un d'autre. En fait, ça arrive plus souvent au Sandbox que dans n'importe quel [autre festival] que j'ai vu.

Et aussi, que le son qui les entoure rende véritablement hommage à leur art — que le système audio, les enceintes (Funktion-One et Meyer) et l’ingénierie acoustique, qui utilise du sable pour isoler chaque scène les unes des autres au Sandbox, restituent chaque détail de ce qu’ils jouent avec clarté et profondeur, transmettant leur intention jusqu’au public. C’est quelque chose qui nous tient vraiment à cœur, et je pense que c’est l’un des véritables atouts distinctifs du festival. Nous créons une configuration sonore et scénique qui rivalise avec les meilleures au monde, et pas seulement dans cette région.

Quelle place les sets prolongés et les collaborations b2b occupent-ils dans l’expérience Sandbox ?

Je dirais que les sets à Sandbox sont plus longs que dans beaucoup de festivals, allant d’1h30 à 2h. Cependant, certains sets bénéficient de plus de temps, surtout en fin de nuit, où ils peuvent être prolongés. Je pense que l’esprit d’essayer de nouvelles choses, de collaborer avec le public, avec d’autres artistes, et d’explorer est ce qui nous guide. Promouvoir l’énergie humaine est au cœur de Sandbox. Donc chaque fois que les b2b nous donnent le sentiment de transmettre cela, nous essayons de les mettre en place.

Sandbox rejette les zones VIP et les formats traditionnels de tête d’affiche. Pourquoi cette décision était-elle importante pour toi ?

Parce que ces deux éléments brisent ce qui rend une soirée exceptionnelle possible : la communication entre toutes les personnes présentes. Quand on sépare les gens en catégories, on tue l’énergie. Quand on construit une soirée autour d’un seul nom sur une affiche, on a déjà dicté au public ce qu’il doit penser avant même qu’il n’arrive. Cela ne nous intéresse pas à Sandbox.

Tu parles de “curation du public” autant que de la programmation. Comment fais-tu concrètement ?

À travers chaque décision que prend le festival avant même que quelqu’un n’arrive. On le voit dans notre politique de prix, la structure des early-bird, notre manière de communiquer, les personnes que nous invitons à revenir, et le processus de présélection. Rien de tout cela n’est le fruit du hasard. Quand on prend constamment des décisions qui reflètent l'esprit de Sandbox, on attire naturellement des personnes qui partagent ces valeurs et tu filtres progressivement celles qui ne les partagent pas. Cela prend des années, et le résultat n'est jamais parfait, mais l'ambiance qui règne ici parle d'elle-même.

Peux-tu nous expliquer comment sont conçues les différentes scènes ?

Les différentes scènes permettent naturellement une diversité de genres, mais ce n’est pas vraiment le sujet. Chaque scène à Sandbox a son propre caractère — sa propre identité — et ce caractère peut s’exprimer à travers de nombreux genres. Ainsi, même au sein d’une seule scène, il y a beaucoup de diversité, d’un jour à l’autre mais aussi au cours d’une même journée. Nous ne programmons pas des genres, nous programmons des caractères. Le résultat, c’est que pendant les trois jours, il y a toujours quelque chose qui correspond à ton état d’esprit et à ton émotion du moment, quels qu’ils soient.

Cette année, tu fais revenir la scène secrète. Peux-tu expliquer le concept ?

La scène secrète, c’est la programmation qui n’est pas annoncée avec le reste. C’est la scène qui n’apparaît pas avec les autres. C’est une ambiance qui existe quelque part dans le festival ! Nous finissons par annoncer qui y jouent, mais l’idée principale, c’est ce sentiment de “quête secondaire”, où tu as un set précis que tu veux absolument vivre et que tu dois rester attentif pour le trouver.

Dans un marché de plus en plus dominé par les capitaux et les pressions commerciales, comment protèges-tu ton identité ?

En prenant des décisions lentement et de manière réfléchie. Nous ne nous sommes jamais développés plus vite que ce que l’expérience pouvait supporter. Le capital peut créer des événements gigantesques — il ne peut pas créer la confiance. La confiance entre un festival et sa communauté se construit au fil des années grâce à des choix cohérents, dont la plupart ne sont jamais vus par quiconque en dehors de l’équipe. Tant que nous continuons à faire ces choix de la bonne manière, l’identité se protège d’elle-même. Dès l’instant où nous commencerons à prendre des décisions basées sur ce que veut le marché plutôt que nos convictions, ce sera fini. Nous sommes conscients de cette limite.

Quelle est une chose dans l’industrie des festivals avec laquelle tu es en profond désaccord aujourd’hui ?

L’idée que plus c’est grand, mieux c’est. Une production plus grande, des noms plus connus, une capacité d’accueil plus importante, des dépenses plus élevées. C’est devenu la mesure par défaut du succès, et je pense que c’est complètement faux. Les meilleures soirées que j’ai jamais vécues — en tant que spectateur et en tant qu’organisateur — n’avaient rien à voir avec l’échelle. Tout reposait sur le fait d'avoir les bonnes personnes au bon endroit, avec la bonne musique au bon moment. C'est ce que nous recherchons. Cela ne nécessite pas un budget plus important, mais un meilleur jugement. Bien sûr, nous nous efforçons de nous développer et d'élargir notre audience, mais pas au prix d'une démesure inconsidérée.

Ici, Tito El Khachab partage sa philosophie de vie, qui se reflète dans la création de ce festival intimiste où la programmation brouille les frontières entre les genres. Il en résulte un récit musical fluide, conçu comme une véritable aventure à travers les univers et les énergies des artistes. Un concept pensé pour rassembler une tribu de festivaliers unis par un désir commun : vivre une atmosphère unique, immersive et profondément humaine.

Chaque édition renforce ainsi cet engagement à rassembler une communauté de mélomanes en quête d’authenticité et d’expériences partagées, au cœur d’El Gouna, en Égypte. Au fil des ans, ce lieu est devenu l’un des épicentres d’un mouvement artistique émergent en Afrique du Nord. Ici, le cadre naturel ne sert pas simplement de toile de fond : il devient partie intégrante de l’expérience sonore, façonnant les rythmes et les émotions au gré du sable, du vent et des vagues.

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